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Lara Favaretto: Cuando una obra de arte renace

Un sentido de resignación a las fuerzas del deterioro y obsolescencia corre a través de la obra de Lara Favaretto. Varias de sus obras están sujetas a la fuerza de la degeneración, consumo putrefacción, y gradualmente se descomponen o extinguen.

Lara Favaretto (b.1973, Treviso, Italia) vive en Turín, Italia. Su práctica es el resultado de una investigación conceptual profunda. Cada una de sus obras interactúan con el espacio, ubicación y sentido de comunidad alrededor de ellas, emergiendo poderosamente –casi violentamente-, mientras que un maravilloso sentido de la estética surge de las acciones.

En la más reciente adquisición de la Colección Adrastus titulada LF 16.001(2015), Favaretto representa la eventualidad de la pérdida a través de la recuperación de la memoria, continuamente reciclando elementos de instalaciones como nuevas obras reutilizando materiales industriales descartados y revistiendo objetos encontrados en estado de ruina.

LF 16.001(2015) está compuesta por una mesa de madera, la cual ha sido intervenida por la artista, rellenando con polvo de oro de 24 kilates los agujeros creados por los gusanos de madera. A través de una reacción química de la mesa – la cual está destinada a ser literalmente devorada por estos insectos con el paso del tiempo- es salvada del inexorable proceso de decaimiento, entrando en un una suspensión de la dimensión del tiempo.

La obra de Favaretto LF 16.001(2015), tiene un balance entre la el fracaso y la aspiración. El juguetón y festivo lenguaje visual del arte de Lara Favareto puede ser un tanto engañoso. A pesar del evidente sentido del humor, su práctica contiene una sensibilidad trágica recurrente.

Lara Favaretto (Treviso, 1973) vive y trabaja en Turin. Su obra ha sido expuesta en exposiciones individuales e instituciones públicas, incluyendo Tramway, Glasgow (2009), MoMA PS1, New York (2012) and the Sharjah Art Foundation, Sharjah, UAE. (2012). Asimismo, la artista ha sido parte de festivales de arte tales como Sydney Biennial (2008), Venice Biennale (2009), Sharjah Biennial (2009), Istanbul Biennial (2011), dOCUMENTA (13) (2012), Carnegie International (2013), Manifesta 10 (2014) y ha presentado su obra en exposiciones colectivas en el Palais de Tokyo (2006), CCA Wattis Institute for Contemporary Arts (2012), y Castello di Rivoli (2014).

 

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Christodoulos Panayiotou: Cuestionando la Memorialización

Considerado por el mundialmente reconocido curador Hans Ulrich Obrist como el epítome del artista contemporáneo, la experiencia de Christodoulos Panayiotou une las esferas de la investigación y los modelos de práctica. Él pertenece a una generación emergente que, en diferentes maneras, está redefiniendo el presente como un barroco contemporáneo dentro de una polifonía de obras que ondean complejos tapices a partir de la sobreproducción de materiales que tienden a demandar fuertemente su audiencia –no solo su tiempo, sino también a su confianza.[1]

El artista Christodoulos Panayiotou toma como punto de partida la invención de la arqueología y su rol instrumental en la falsificación de la narrativa histórica. Específicamente, el artista nacido en Limossol, Chipre en 19978, enfoca su amplia investigación en la identificación y el descubrimiento de narrativas ocultas dentro de los records visuales de la historia y el tiempo. De esta manera, se crea una propuesta discursiva que considera una cartografía abierta para el arte y su territorio.

Panayiotou considera la manera en que la escritura de la antigüedad podía ser fundamentalmente interrogada, habilitando el surgimiento de nuevos espacios de la imaginación. Adoptando diversas estrategias, Christodoulos Panayiotou cuestiona la manera en que la tradición está formada a partir de la autoría y la manera en que la autenticidad está gobernada. A través de una meticulosa preparación, el artista critica la hipérbole de la modernidad, la fábrica aspiracional y la inconsistente noción de progreso.

Untitled (2013) por Christodoulos Panayiotou es la más reciente adquisición de la Colección Adrastus. En Untitled (2013), Panyiotou transforma bolsas de cuero que le habían sido regaladas por mujeres importantes en su vida, y las convirtió en zapatos hechos a mano para su propia talla. Esta obra forma parte de una serie emocionalmente cargada que explora la delgada línea entre la biografía y los imaginarios construidos. A través de esta obra, el artista sutilmente cuestiona la noción de autenticidad, e interroga el potencial transformador de la producción del arte. Los zapatos nunca serán utilizados, excepto para las sesiones de probador requeridas para su producción. El valor simbólico del material es amplificado aquí a través de un proceso ceremonial de transfiguración.

Presentado en el Pabellón de Chipre durante la Bienal de Venecia del 2015, Untitled (2015) sigue el hilo conductor de Untitled (2013), en donde estos pares de zapatos hechos a la medida fueron producidos a partir de bolsas de diseñadores falsas compradas en las calles de Venecia a inicios del 2015. En esta serie, Panyiotou crea una narrativa intertextual construida a partir de una serie de materiales, mismos que son falsos aspiraciones. El resultado es un trabajo mimético que levanta cuestionamientos acerca de las contradicciones inherentes durante el proceso de producción y autoría.

Memoria y memorialización[2], fragmentación histórica y terminación, son puntos centrales de exploración de este proyecto. Panayiotou considera el potencial transformador del humano en relación con el objeto y explora críticamente el rol del readymade dentro de la práctica contemporánea a través de los actos de creación y de-creación. Con ello, las estructuras económicas son exploradas, los materiales son activados y el valor simbólico es cuestionado.

No existen finales ni inicios en la práctica de Panayiotou, solamente la proliferación – nuevos encuentros y caminos a explorar. La Historia es un campo minado, una pesadilla de la cual estamos tratando de despertar, pero también es un sueño al que recurrentemente regresamos.

Christodoulos Panayiotou vive y trabaja en Paris y Limassol. Entre sus exposiciones individuales se encuentran Point Centre for Contemporary Art, Nicosia, Chipre; Moderna Museet, Stockholmo, Suecia; Casino Luxembourg, Luxembourgo; CCA Kitakyushu, Japón; Centre d’Art Contemporain de Brétigny, Francia; Museum of Contemporary Art, St. Louis, USA; Museum of Contemporary Art, Leipzig, Alemania; Kunsthalle Zürich, Suiza and Cubitt, Londres, UK, entre otros. También ha participado en numerosas exposiciones colectivas, incluyendo Museion, Bolzano, Italia; Berlin Biennale 8, Berlin, Alemania; Migros Museum, Zürich, Suiza; dOCUMENTA (13), Kassel, Alemania; CCA Wattis Institute for Contemporary Arts, San Francisco, USA; Joan Miro Foundation, Barcelona, España; Witte de With, Rotterdam, Holanda; Bonniers Konsthall, Stockholm, Suiza; Philadelphia Museum of Art, Philadelphia, USA; Ashkal Alwan Center for Contemporary Arts, Beirut, Libano; Artist Space, New York, USA, MoCA Miami, Miami, USA.

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[1] Ultich Obrist, Hans. “Christodoulos Panatiotou Wonder Land.” Rodeo Gallery. N.p., Oct. 2008. Web. xhttp://rodeo-gallery.com/wp-content/uploads/2014/04/2008-10-WONDER-LAND-NEVER-LAND-ILAND-CHRISTODOULOS-PANAYIOTOUby-Hans-Ulrich-Obrist-in-Defining-Contemporary-Art-2012.pdf

[2] Memorialización es el proceso de creación de homenajes públicos. Homenajes públicos son representaciones físicas o virtuales o actividades conmemorativas relacionadas con eventos en el pasado y están localizadas en el espacio público o son accesibles por el público.

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La Errática Relación entre la Causa y el Efecto de Sergei Tcherepnin

Integral tanto al artista como al compositor, la producción artística de Sergei Tcherepnin es la continua fascinación de cómo los materiales pueden recibir y transmitir el sonido. A través de sus performance, esculturas y videos, el artista considera que las experiencias visuales forman parte de una red multisensorial. El artista Norteamericano nacido en 1981, satura los espacios con sonidos, mientras que nos sumerge dentro de la privacidad de nuestras propias formas de ver y escuchar.

A través del uso de trasmisores eléctricos, la instalación de Sergei Tcherepnin titulada Water Piper (2015) emite sonidos, los cuales, pueden ser experimentados con todo el cuerpo con la ayuda de vibraciones. Los sonidos de los objetos son una práctica con la finalidad de reorientar el proceso de escuchar. Al involucrar otros sentidos corporales, la producción artística de Tcherepnin obliga a la audiencia a entrar en una interacción de sentidos. Los vibrantes elementos metálicos generan sonido; sin embargo, para experimentar la obra completamente, uno debe tocarlos. La cautivadora obra Water Piper (2015) de Sergei Tcherepnin se trata tanto de escuchar como de ver. La más reciente adquisición de la Colección Adrastus está compuesta por un grupo de dos largas placas de cobre impresas, las cuales generan diferentes sonidos amplificados al ser activados. Estos pequeños mecanismos permiten a las secciones del sistema principal a emitir un sonido, creando lo que el artista describe como “instrumentos altoparlantes.” El ondulante sonido de la obra no es registrado solamente por el oído, sino por todo el cuerpo humano.

Además, las fotografías en Water Piper (2015) introducen un elemento narrativo, reforzando la necesidad por interacción. Las fotografías utilizadas para la obra fueron tomadas en las montañas Ringing Rocks en Pennsylvania y las Cuevas Rosendale en Nueva York. Éstas evocan la historia del flautista de Hamelín, en la cual, el sonido está presente como una herramienta de manipulación. De acuerdo a la leyenda escrita por los Hermanos Grimm, el flautista atrapa-ratas manipula a los niños y los saca del pueblo como venganza por la falta de pago por sus servicios. La obra de Sergei Tcherepnin titulada Water Piper (2015) promete un futuro de escucha corpórea, pero presagia la cada vez mayor manipulación persuasiva de las tecnologías de sonido.

Sin embargo, en las obras de Tcherepnin, la música no es utilizada como un medio de persuasión. En cambio, genera una sensualidad completa del proceso de escuchar, restaurando la percepción independiente de realidad y exponiendo las relaciones entre los oyentes y sus alrededores. El artista utiliza los sonido individual del objeto dentro de una coreografía para la experiencia del visitante: “No se trata necesariamente de una experiencia de sumersión, ya que no todo el sonido está en todos lados. Se trata de una activa sensación de espacio y un proceso activo de escuchar,” declara. “Oyes una cosa, y te señala cómo acoger la obra.”[1] Una vez que se elimina la distancia entre el oyente y la fuente del sonido, surge a revitalización de la experiencia subjetiva.

Mientras que Tcherepnin ha tomado inspiraciones de su padre y su tío (también músicos profesionales), él también considera su obra como una respuesta a otros compositores de su generación, tales como Neuhaus y Karlheinz Stockhausen. “Esta idea del sonido puro es algo esencialista de la música de inicios de los ‘60s y los experimentos musicales. Me interesa cuestionar eso. Cambiar perspectivas. Fracturar esta idea de una experiencia unificada. Me interesa hacer estos elementos en algo más personal.”[2]

Como resultado, el proceso de escuchar puede ser descrito como una actividad socio-cultural, acompañada por la racionalización instantánea y contextualización. El sonido es un código social al igual que el lenguaje, experimentándolo subjetivamente permite que se logre un subversivo sonido.

Sergei Tcherepnin (Boston, MA) actualmente vive y trabaja en Nueva York. Tcherepnin recibió su título en Bellas Artes de la Universidad de Bard en 2011. A pesar de su joven edad, Tcherepnin en un distinguido artista en el ámbito de las instalaciones sonoras. Su obra ha sido incluida en la Whitney Bienal del 2014 y tuvo una exposición individual en el MIT List Visual Arts Center en Cambridge. También participó en el Pabellón Georgiano en la 55 Bienal de Venecia, así como en la 30 Bienal de Sao Paulo en Brasil. Exposiciones y performances de su obra han sido presentados en The Kitchen en Nueva York, Museum Moderner Kunst Kärnten en Austria, Neue Gesellschaft für bildende Kunst en Berlín, Museum of Modern Art en Nueva York, Guggenheim Museum en Nueva York, Institute for Contemporary Art en London, CAC Brétigny, y el New Museum en Nueva York. Tcherepnin ha recibido la beca de la Villa Romana en Florencia en 2014, así como el Artadia Award.

 

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[1] McQuaid, Cate. “Tcherepnin Creates Works to Be Seen, Heard, and Felt at MIT – The Boston Globe.” BostonGlobe.com. N.p., 12 July 2015. Web. 11 July 2016. https://www.bostonglobe.com/arts/2014/07/12/tcherepnin-creates-works-seen-heard-and-felt-mit/OhBi5YVNwxAyIjc1jZYRtO/story.html

[2] Ibid

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El Virtuoso Narrativo: Peter Wächtler

El contraste entre lo banal y lo bizarro es el tema central de la producción artística del artista nacido en Alemania y residente de Bélgica, Peter Wächtler . Obras como la más reciente adquisición de la Colección Adrastus, Teddy Boy 1: At the Doctor; Meeting the Pimps; Feeling Sick, (2015), retoma lo cotidiano hacia un enfoque más perspicaz.

Wächtler trabaja una variedad de medios – video, texto, cerámica, escultura, gis, dibujos a pluma, sonido- pero su principal material son sus propias patologías. La práctica de Wächtler puede ser vista como una investigación post literaria que genera supremacía en función del sujeto sobre el objeto; una iniciativa que produce alternativamente efectos cómicos y afectivos con el dolor.[1]

Peter Wächtler es descendiente de una familia militar de parte de herencia paterna, por lo cual fue obligado a seguir la tradición y unirse al ejército a temprana edad. Fue durante el ejército donde empezó a escribir y aprendió a construir complejos personajes que representen las relaciones interpersonales.

El tema primario del artista detona las rutinarias especulaciones acerca del contenido autobiográfico a través de la exageración irónica de clichés culturales que reflejan las características de su obra en general. Como un virtuoso narrativo, Wächtler inicia un momento y luego lo rechaza, en una lección antimodernista de encanto.

Wächtler es un artista que ha expresado una fuerte pasión por la cultura pop, la cual ha sido una frecuente protagonista en las situaciones cotidianas que incluyen un humor estoico y melancolía mundana. Juguetón e indudablemente con una carga de humor negro, los personajes y las escenas increíblemente narrativos en sus obras exponen los eventos más importantes en la vida y las rutinas diarias en una misma plataforma. Juguetonamente el artista incita las emociones, evocando un compendio autobiográfico que resulte en la empatía de la audiencia.

El tema de la obsolescencia y nostalgia no solamente corre a lo largo de la práctica de Wächtler en la narrativa. Sino que el interés por las técnicas tradicionales de impresión y animación van acorde a la preocupación de Wächtler por la destreza manual. Estos objetos suelen parecer tomas instantáneas de historias cortas en donde se retrata el mismo personaje en varios escenarios y momentos análogos.

Las ilustraciones gestuales –algunas espontáneas y otras lánguidas- son retratadas de tal manera que parecen incompletas. A pesar de que las imágenes proveen solamente bocetos insuficientes de detalles para representar una escena completa, estos convergen con mayor profundidad que las narrativas superficiales de la actualidad.

La técnica pintada a mano en Teddy Boy 1: At the Doctor; Meeting the Pimps; Feeling Sick, (2015) es parte del interés principal del artista en la animación, la cual conlleva un doloroso proceso de dibujo y color de miles de celdas para poder crear algunos minutos de animación. Las imperfecciones hacen que los videos se conviertan en testigos de la persistencia del creador; la sangre, sudor y lágrimas; y la resistencia física que recuerda al espectador que estas imágenes han sido producidas a mano.

La idea de incorporar las escenas de animación dentro de su arte también puede verse reflejado en los bocetos de storyboard de los “Teddy Boys” pintados en el exterior de las cajas de madera. Se le conoce como “Teddy Boy” a una subcultura inglesa en donde los jóvenes hombres utilizan vestimenta inspirada por los “dandis” en el periodo Eduardiano re-introducida por los sastres de Savile Row después de la segunda guerra mundial. Las figuras en las estructuras, según su propio creador, “tratan de agregar un poco de glamur y estilo a la clase trabajadora, la cual vive una vida editada” [2], como si se tratara de una película. Esta edición nos distrae de entrar en contacto con nuestras agitadas vidas llenas de compromisos.

Las escenas pintadas en Teddy Boy 1: At the Doctor; Meeting the Pimps; Feeling Sick, (2015) ofrecen un montaje no-lineal condensado de la vida de un dandi, mientras éste corre a toda velocidad a través de las calles de la ciudad. Las escenas son dibujadas de una manera deliberadamente amateur; los colores son descuidados y los rastros de lápiz se pueden ver debajo de la pintura. Esta obra parece deliberadamente desprolija, en contraste con la elegante apariencia de los personajes contenidos en ella. Es desde esta expresividad, que las calculadas marcas de los personajes retratados en las cajas rayan en la ironía.

Muchas de las escenas son sumamente ridículas. En un lado de la presente obra titulado Meeting the Pimps, los risibles proxenetas no trivializan el miedo humano presente en la cara de nuestro héroe. Incluso en otro lado de la obra titulado Feeling Sick, el ridículo cabello del Teddy Boy compite con la dignidad de su sufrimiento por atención.

Los protagonistas de Wächtler sufren por un tipo de inducción melancólica con el ser, evidenciando los síntomas depresivos de aquellos que desde 1960 han sido considerados por varios teóricos, como el surgimiento de un nuevo espíritu de capitalismo. Estos individuos se mueven alrededor de una amplia gama de simulacros, los cuales incluyen una serie de imágenes, estéticas, formatos, géneros y técnicas que dan la sensación de ser anticuados.

Peter Wächtler (1979, Hanover, Alemania) vide y trabaja en Bruselas. Recientemente tuvo exposiciones individuales en Reena Spaulings, New York (2014), Westfälischer Kunstverein, Münster (2014), y Dépendance, Brussels (2013). Su obra ha formado parte de numerosas exposiciones internacionales, incluyendo 2015 Triennial: Surround Audience en el New Museum, New York (2015), el Liverpool Biennial (2014), La Biennale de Lyon 2013, y Pride Goes Before a Fall – Beware of a Holy Whore en el Artists Space, New York (2013).

 

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[1] Schillinger, Jakob. “Interiority Complex: The Art of Peter Wächtler.” Artforum.com. Nov. 2014. Web. 06 July 2016. https://artforum.com/inprint/issue=201409 p. 4

[2] Chicago Maroon: May Huang, Renaissance Society Exhibit Trumpets Works by Wächtler, February 23, 2016.

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El aislamiento arquitectónico en Mario García Torres

Originalmente concebida durante su residencia artística en Berlín, el reciente cortometraje de Mario García Torres Tetela (2015), fue grabada en Santa María Ahuacatitlán. Este video narra la historia de dos niños de vecindad que descubren por casualidad las ruinas del Centro de Meditación, encontrándose en una inusual situación dirigida por García Torres. Durante el filme, el contexto y la ubicación crean un espacio para la reflexión -un museo de clases donde los gestos humanos y la intervención de la naturaleza se diluyen en sus propias realidades. Los pensamientos de una utopía fallida crean una sutil fusión del pasado y el futuro.

Lejos de excavar con herramientas, la obra de Mario involucra una arqueología de los espacios y ambientes construidos en el pasado reciente. Las ideas de que estos lugares alguna vez encarnaron a sus creadores, busca crear un enfoque eterno en su obra. En Tetela (2015), el artista captura narrativamente en el cortometraje la recolección del pasado en conjunto con los restos sin descubrir del Centro de Meditación diseñado por el arquitecto Agustín Hernández en la ciudad de Cuernavaca, Morelos. Esta obra es el resultado de la investigación y viajes de campo hacia la locación, produciendo un sentido de soldad análoga a la lejanía o aislamiento percibida en estos lugares.

La obra Tetela (2015) perteneciente a la Colección Adrastus, es parte de una instalación multimedia titulada The Strange Things My Eyes See (n.d.), como una arqueología contemporánea realizada en un edificio semi-aislado y casi en ruinas. Recientemente, Adrastus prestó la presente obra para la exposición Caminar juntos llevada a cabo en el Museo Tamayo de la Ciudad de México del 27 de Febrero al 19 de Junio de 216. Para conocer más acerca de esta exposición, por favor diríjase al siguiente link.

En los años recientes, la obra de Mario García Torres ha sido presentada en varias exposiciones internacionales. Entre ellas destacan las exposiciones individuales en el Stedelijk Museum Amsterdam (2007), Kunsthalle Zürich (2008), Galerie nationale de Jeu de Paume, Paris (2009), Fundació Joan Miró, Barcelona (2009), Museo Reina Sofía, Madrid (2010), y el Madre – Museo d’Arte Contemporanea Donnaregina, Naples (2013). Caben destacar sus exposiciones retrospectivas en Hammer Museum, Los Angeles (2014), Pérez Art Museum, Miami (2014), y el Modern Art Museum, Fort Worth (2015). El artista ha formado parte de dOCUMENTA(13) (2012) y las bienales de Berlín (2014), Porto Alegre (2013), São Paolo (2010), Taipei (2010), Panama (2008), y Venecia (2007).

 

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La Frágil Poesía de Nairy Baghramian

El trabajo escultórico de la artista radicada en Berlín, Nairy Baghramian (Isfahán, 1971) suele abordar las condiciones implícitas en su elaboración, el contexto tanto físico como expandido de las esculturas mismas y su vínculo con otras referencias. La producción artística de la artista separa componentes abstractos tales como el fragmento, el caparazón hueco, el esqueleto, líneas de acero que se intersectan, y órganos dilatados que cuelgan.

En su obra, Nairy Baghramian explora la problemática escultórica que surge a partir de la historia del arte, desmantelando y recombinando formas y conceptos en conjunto con los principios del diseño interior y la psicología. Parcialmente producido de manera industrial y parcialmente hecho a mano, su obra cuestiona el potencial de la escultura y el arte como una herramienta estética; al mismo tiempo de subrayar la dependencia del arte dentro de su propio contexto. Sus obras son poéticas y frágiles, de tal manera en que las enormes piezas colgantes y oscilantes están constantemente amenazadas por fisuras o riesgo de colapsarse.

Sus creaciones retoman referencias formales y conceptuales dentro del ámbito de la subjetividad, poniendo a prueba lo que puede ser insinuado o implícito, vacilando entre la idea de funcionalidad, exposición, decoración, comodidad, memoria y fisicalidad. La fuerza en la obra de Baghramian radica precisamente en el interés de lo marginal, lo sobreexpuesto y lo delicado, utilizando las figuras metafóricas a su conveniencia. Cada una de sus obras es asertiva y pensante al mismo tiempo, consciente de su propia fragilidad, mientras que cómodamente se balancea sobre el espacio que habita.

Las esculturas de Baghramian, tal como la más reciente adquisición de la Colección Adrastus Scruff of the Neck (UL 14/15/16), trazan coordenadas espaciales indicadas en sus títulos, y manifestan una proliferación de lo orgánico. Lo marmoleado de la figuras blancas son soportadas por armaduras de metal pulido. De cierta manera cómica, y profana, las esculturas retoman el vocabulario del material odontológico: específicamente de los frenos -soportes de metal e implantes cosméticos- y la idea de auto renovación. La obra de Baghramian adopta estas formas, fuera de escala, de tal manera que la calavera fuera del tamaño de los espacios de la galería. Sus materiales –aluminio moldeado y pulido, yeso, cera de abeja y goma- han sido lustrados en una paleta monocromática; sin embargo, las referencias al cuerpo humano siguen presentes. La traducción de lo micro a lo maco crea una referencia extraña. Cada uno de los objetos son abstraídos de su significado original parcialmente, de tal manera en que liberan al espectador de caer en la tentadora presencia formal y asociaciones del mundo real.

En 2015, Baghramian recibió el premio Arnold-Bode-Preis y el premio Hector Kunstpreis award (2012). Baghramian está inspirada en el legado de escultores de generaciones anteriores, tal como Claes Oldenburg, sin perder su propia esencia. Recientemente fue anunciada como ganadora del premio de arte de Zurich 2016 y tendrá una distintiva presencia en Documenta 14 del próximo año y Skulptur Projekte Münster.

La obra de Baghramian ha sido presentada a nivel internacional en exposiciones individuales y colectivas en Parasophia, Kyoto International Festival (2015); Art Institute of Chicago, Chicago (2014); Museum Serralves, Porto (2014); Sculpture Center, Long Island City, Nueva York (2013); Contemporary Art Gallery, Vancouver (2012); Stedelijk Museum, Ámsterdam (2011); Serpentine Gallery, Londres (2010) ; Staatliche Kunsthalle, Baden-Baden (2008); Neuer Aachener Kunstverein, Aachen (2008); Kunstverein, Núremberg (2007); Kunsthalle Basel (2006). También participó en la 8ª. Bienal de Berlín (2014) ‘Illuminations’ para la 54ª. Bienal de Venecia, (2011); Glasgow International Festival of Visual Art (2011); 5ª Bienal de Berlín (2008); Skulptur Projekte Münster (2007). En 2015 Baghramian recibió premios como el Arnold-Bode-Preis y el Hector Kunstpreis (2012). La artista vive y trabaja en Berlín.

 

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El Esqueleto en Vinyl de Louise Lawler

 

Mucho antes de fotografiar obras de arte se convirtiera en un subgénero verídico en Instagram, Louise Lawler estaba tomando hermosas imágenes in-situ de famosas obras de arte en galerías, museos, hogares de coleccionistas y casas de subastas. Durante los últimos 30 años, Louise Lawler ha estado produciendo fotografías que presentan las perspectivas sesgadas de objetos y obras de arte en sus ambientes cotidianos, generando un énfasis del sujeto en sí hacia nuevos puntos de vista, enfocando los artefactos de montaje y museográficos que afectan en la apreciación de una obra de arte. Las fotografías de Louise Lawler en museos, colecciones privadas, subastas o almacenaje, enfatizan los aspectos que usualmente pasamos por alto. Obras como Absinthe (2003-2004) o Cibacrome face mounted to plexi on museum box (2008), presentan la manera en que el significado del arte se encuentra moldeado a partir de su contexto, alrededores y distribución, negando la posibilidad de una presentación imparcial del arte.

Lawler dirige su mirada hacia los límites del arte, tal y como si estuviera generando sutiles comentarios sobre la poética de la casualidad a través de composiciones que se distinguen a si mismas del acercamiento formal, así como de sus excentricidades. Louise Lawler, quien se aventuró en su producción a finales de los años 70’s. pertenece a lo que usualmente se conoce como “Pictures Generation”. Esta generación es el título dado a la serie de jóvenes artistas que devienen de inicios de 1970 y que fueron recibidos por el baño de desilusión americano generado a partir de los sueños destrozados por la transformación política y social que continuó a la Guerra de Vietnam y la crisis de Watergate. “La utópica promesa de la contracultura se había convertido en un pastiche de estancias rebeldes corrompido por el consumo y el estado catatónico a nivel nacional, el cual se generó en respuesta al acelerado cambio histórico que incluía desde la revolución sexual hasta los asesinatos raciales.” [1]

Consecuentemente, las obras de Lawler están determinantemente moldeadas por la crítica institucional e interpretadas como comentarios sociológicos que reflejan los factores estéticos, económicos e históricos que influyen en el arte. La artista frecuentemente se abstiene de crear objetos substancialmente físicos; en cambio, prefiere la documentación que ofrece una mirada —y más importante, una distancia— de tal manera en que el espectador pueda proyectarse en los sistemas económicos y culturales que surgen a partir de la propia obra de arte. Sus fotografías e intervenciones desenfocan la atención del espectador en la obras y giran la mirada hacia sus alrededores: un ensamble que suple las relaciones que persisten en lo desapercibido, en la opacidad y en las interacciones elusivas; de tal manera en que se hace un énfasis en los poderes institucionales y de autoridad.[2]

Trazado directamente a partir de sus fotografías y realizadas en colaboración con el ilustrador de libros de niños Jon Buller, esta nueva serie de bocetos en blanco y negro son dibujos convertidos en vectores e impresos en vinyl de tal manera en que puedan ser adheridos directamente a la pared.

La más reciente adquisición de la Colección Adrastus Chandelier (2001/2007/2013), es el trazo de una de las fotografías más icónicas de Lawler titulada Chandelier y complementaria a Other Side of Chandelier (Working Title) (2001-2009), la cual también forma parte de la colección. La obra original es una fotografía de aproximadamente 30 x 20 cm, la cual representa una sección de un magnífico calendario que contrasta con una pared de morado obsculo, la cual se encuentra intervenida por un par de obras maestras de un coleccionista privado.

El resultado es tanto la representación de obras anteriores y la instalación efímera en un espacio particular. Phillip Kalser describe estos bocetos como esqueletos que exploran “los límites y vértices de las imágenes y sus contextos.”[3] La remanente fría línea negra es el resultado de una deconstrucción de capas que tradicionalmente generaban imágenes más placenteras, incluyendo el color, textura y luz.

A diferencia de sus series fotográficas de obras maestras en hogares de coleccionistas o galerías que haría famosa a la fotógrafa, estas obras en vinyl —tal como Chandelier (2001/2007/2013)— ofrecen un sentido de nostalgia a la domesticidad convencional que permea en sus obras originales. Es así, como Lawler crea arte para conocedores que están cercanas a las referencias y hambrientos por tener nuevas perspectivas sobre lo familiar. Al final, la impresión prevaleciente en Chandelier (2001/2007/2013) es aquella de una gracia sofisticada, elegancia absoluta y al mismo tiempo, conmoción.

Louise Lawler (nacida en 1947, Bronxville, USA) vive y trabaja en New York. Entre sus exposiciones individuales están: Dia: Beacon, New York (2005), the Museum für Gegenwartskunst, Basel (2004), The Photographers’ Gallery, Londres (1997), Kunstverein München (1995), and at the MoMA, New York (1987). Entre sus exposiciones colectivas resaltan Palazzo Grassi, Venecia (2011), the Whitney Museum of American Art, New York (2008, 2000, 1991), the Institute of Contemporary Arts, Londres (2004), Museum of Contemporary Art, Chicago (2002), Kunsthalle Basel (2000), the Art Institute of Chicago (1990), y the New Museum of Contemporary Art, New York (1990, 1986, 1985).

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[1] Eklund, Douglas. “The Pictures Generation ” The Met’s Heilbrunn Timeline of Art History. Oct. 2004. Web. 01 June 2016. http://www.metmuseum.org/toah/hd/pcgn/hd_pcgn.htm

[2] Birgit Pelzer, “Interpositions: The Work of Louise Lawler,” in Louise Lawler and Others, Kunstmuseum Basel, Museum für Gegenwartskunst. Web. 1 June 2016. http://eipcp.net/transversal/0106/deutsche/en

[3] Kais­, Philipper. “Louise Lawler: Adjusted.” Museum Ludwing. 11 Oct. 2013. Web. 1 June 2016. http://www.museum-ludwig.de/en/exhibitions/archive/2013/louise-lawler.html

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El Viaje Ficticio de Jorge Méndez Blake

A través de dibujos, instalaciones o intervenciones, Jorge Méndez Blake le da vida a la literatura. El lenguaje conceptual de Blake es ingeniosamente construido a través de la recontextualización de las conexiones entre la literatura y el arte. En su producción artística, los textos tienen coherencia cuando se transforman en formas e imágenes. Es decir, sus obras expanden la posibilidad de generar relecturas a través de un vínculo físico entre la literatura y el espectador.

Es mas, las obras de Méndez Blake consideran la Ficción como el inicio de todo. A través de la ficción, el sistema articula el arte como una operación en donde la memoria juga el rol fundamental de replicar un viaje literario. Este género es evocado en la más reciente adquisición de la Colección Adrastus titulada From an unfinished work (The journal of Julius Rodman). Esta obra compuesta por 85 piezas fue creada en conmemoración del escritor, editor, y crítico literario Edgar Allan Poe. Específicamente, Blake retoma la novela de Poe The Journal of Julius Rodman, la cual inició su publicación mensual en la revista Burton’s Gentleman en 1840. Sin embargo, Poe interrumpió sus contribuciones en el capítulo 6. La obra permaneció incompleta hasta la misteriosa muerte de Poe en 1849.

The Journal of Julius Rodman pretendía detallar la expedición de 1792 lidereada por Julius Rodman desde el Río Missouri hacia el Lejano Norte. Esta expedición, si verídica, hubiera nombrado a Rodman como el primero Europeo en cruzar las Montañas Rocallosas. La expedición de Julios Rodman fue confundida por un miembro del Senado Norteamericano, Robert Greenhow, quien escribió en un documento: “ Es propio hacer notar una expedición a través del continente americano realizada entre 1791 y 1794 por un grupo de ciudadanos de los Estados Unidos, bajo la dirección de Julius Roman, cuyo diario acaba de ser descubierto en Virginia, y publicado en una revista periódica en Filadelfia.”[1] Rodman en realidad fue un personaje ficticio inventado por Edgar Allan Poe. Para darle veracidad, Poe escribió todo el diario retomando fuentes tales como Astoria de Washington Irving y la Historia de una Expedición de Lewis y Clark.

Esta obra maestra de la literatura es de especial interés para Blake debido a las numerosas malinterpretaciones a las que ha estado sujeta. El privilegiado talento literario de Poe incluso ha humillado el Senado Americano y puesto en duda la veracidad en el descubrimiento de una nación.

La obra de Blake en memoria de la obra de Poe ha sido presentada en el centro de arte contemporáneo Kunsthalle en Mulhouse, Francia en la exposición Projects Pour une Possible Literature, y en la booth de Frieze NY 2016 perteneciente a la galería de Bélgica Messen De Clercq.

Jorge Méndez Blake nació en 1974 en Guadalajara, México. El artista ha sido sujeto a exposiciones individuales en el MUAC Museo Universitario Arte Contemporáneo, México (2015), MCA Museum of Contemporary Art Denver, USA (2014), Museo D’Arte Contemporanea Villa Croce, Geneva, Italy (2012), Museum of Latin American Art, Los Angeles, USA (2010), Museo Tamayo (2010) y Museo de Arte Moderno en México (2008). Su obra ha sido expuesta en exhibiciones individuales en el MCA Museum of Contemporary Art Santa Barbara, USA (2014); Aspen Museum of Art, USA (2012); Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, France (2012); Bass Museum, Miami, USA (2009); Museo de Arte Moderno, México (2008), entre otros. También ha participado en la 13th Istanbul Biennial (2013) y el 43 Salón (Inter) Nacional de Artistas en Medellín, Colombia (2013).

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[1] John J. Teunissen and Evelyn J. Hinz. “Poe’s Journal of Julius Rodman as Parody.” Nineteenth-Century Fiction, Vol. 27, Issue 3 (Dec., 1972): 317-338. http://hoaxes.org/archive/permalink/the_journal_of_julius_rodman

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