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Jay Heikes: Una Reflexión Crítica del Humor

El artista graduado de Yale y residente de Minneapolis Jay Heikes (1975) es conocido por su heterogénea práctica, la cual mezcla y reinterpreta una caleidoscópica variedad de medios –historias activadoras, juegos de palabras, e ironía en una reflexión cíclica. Temas como la evolución y la regeneración, la inmovilidad y la corrosión, toman forma en cada una de sus acciones artísticas, reiterando el interés de Heikes por la narrativa y reafirmando la noción de que la mutación y cambio son esenciales para el proceso creativo.

Jay Heikes se enfrenta a la vertiginosa realidad de la cultura pop y la manera en cómo ésta ha invadido casi sistemáticamente cada ámbito del proceso artístico. A través de dibujos, video y escultura, Heikes cuestiona la forma en que la cultura vernácula a permeado la práctica visual a través de la validación y crítica de un híbrido que ya no distingue entre un campo y otro. Este artista investiga los cambios que se han generado a partir de la disolución entre las artes académicas y las populares. Por ejemplo, la reflexión en precedentes artísticos históricos tales como “la apropiación” en la década de los 1960s, o el Pop art de finales de los 70s y la generación fotográfica a inicios de los 80s, momentos en los cuales la deliberación critica de la cultura de consumo permeó tanto a los bienes como a las imágenes.

En Return of the Parrot (2005), una serie compuesta por 24 obras de 30 x 40 pulgadas cada uno, sin enmarcar y clavados directamente a la pared en forma de cuadrícula, presentan a un hombre parado en frente de una cortina con un flequillo largo. Este personaje se encuentra en diferentes poses en cada una de los fotogramas, a veces haciendo lo que parece ser un gesto obsceno con la mano, y su si figura suele ser obscurecida o montada por recortes en forma de collage y garabatos con temerá, grafito y marcadores. El actor es el mismo Jay Heikes, quien se encuentra acompañado por su leal, pero insubordinado perico.

La serie titulada Return of the Parrot (2005) de la Colección Adrastus presenta imágenes singulares que presentan fotogramas claves de una broma que han sido fotocopiados en gran formato y dibujados o borrados por el artista, para luego ser instalados en la pared como narrativa. A través de un elaborado proceso de traducción –de la recitación verbal a la video representación a la re-presentación impresa–, el punto de la broma se pierde, una alusión que hace Heikes al perpetuo miedo de perder el control de su obra y su habilidad para comunicar.

“La libertad subjetiva, que supone la risa, engendra luego el humor” [1] dijo el filósofo Jean-Paul Richter, citado por Freud a finales de 1905 en su estudio del humor. Éste es un concepto simple que puede parecer inocente pero también engañoso. Para decir una broma, uno debe seguir un manuscrito –el éxito de la broma recae totalmente en la manera en que es presentado– Y la idea tiene un trasfondo siniestro. La libertad, después de todo, no es necesariamente equivalente benevolente y las bromas pueden ser crueles.

Los dibujos en gran escala en The Return of the Parrot (2005), presenta las imágenes del artista diciendo una broma casual, las cuales se encuentran cubiertas por dibujos y collages. A pesar de que la composición tiene una distribución cuadriculada, similar a la de un storyboard para una película, éste contiene un detallado estudio de la narrativa. Aún así, es imposible determinar ningún tiempo de trayectoria. El título, The Return of the Parrot (2005), ofrece una pista, pero el espectador nunca sabrá el remate del chiste. Mientras el artista desaparece lentamente, la culminación del chiste se desvanece, dejando lo que pareciera el remanente del proceso interrogatorio del lenguaje visual, ya sea que la audiencia esté oyendo o no.

La obra de Heikes ha sido exhibida en museos e instituciones que incluyen: Painter Painter, Walker Art Center, Minneapolis 2013; Buried in the Bright, Aspen Art Museum, Aspen 2012; Project Space, ICA-Institute of Contemporary Art, Philadelphia 2007; Day For Night: Whitney Biennial 2006, Whitney Museum of American Art, New York 2006; Ordinary Culture: Heikes/Helms/McMilian, Walker Art Center, Minneapolis 2006; All the Pretty Corpses, The Renaissance Society en the University of Chicago, Chicago 2005; The Hill Upstairs, MoMA PS.1, New York 2005; y Kill Yr Idols, Artists Space, New York, 2003.

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[1] Boesky, Marianne . “Emerging Artists: Jay Heikes.” Modern Painters. N.p., Oct. 2006. Web. 27 Apr. 2017. <http://www.federicaschiavo.com/media/files/hei_modernpainters_2006.pdf>.

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Akram Zaatari

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Nociones de Autoidentidad (e identificación) de Carter

En cada uno de sus complejos collages, Carter presenta siluetas abstractas que emergen desde paisajes de acrílico. Con cada pincelada meticulosamente colocada sobre el lienzo, el artista realiza un collage hibrido de pintura abstracta. A partir del uso de estilos yuxtapuestos y marcas aisladas, Carter busca crear una reflexión en torno a la pintura como proceso y evocación de identidades fragmentadas. Distorsionando la principal característica de los retratos de identificación, las prominente obra de Carter cubre lo más posible los gestos de tal manera que se convierten en formas rectificadas. Es así, como la producción artística de Carter busca ocultar o confundir las nociones de auto identidad (e identificación).

Carter trabaja una gran diversidad de medios incluyendo video, escultura, instalación y pinturas en diferentes gamas de técnicas. El artista utiliza el dibujo abstracto como medio de investigación hacia la transformación de conceptos del cuerpo humano e identidad personal. En la obra que forma parte de la Colección Adrastus llamada To/is/the/and, Lineaments including large Rock Formation (2008), Carter presenta una escena etérea en donde se retratan especímenes que parecieran mutaciones biológicas autocontenidas en cajas de Petri. Utilizando sus propios medios como control de experimentación, esta obra de Carter muestra sutiles variaciones de las mismas formas, objetos abyectos y figuras no descriptivas que convergen en un catálogo de posibilidades físicas ilimitadas: ojos, labios, narices, cabellos, flotan como muestras de alteraciones faciales, mientras que patrones geométricos emergen de estructuras celulares y tejido celular a través de paisajes indefinidos.

La obra de Carter llamada Double Void (Although) (2010), directamente confronta la quietud con la corporeidad. Resaltando la imperfección de la materia física, Carter presenta de manera espontánea en sus dibujos una delicada cantidad de tinta que se funde con la corporeidad de un sitio artificial. Su obra pareciera ser una catografía cuyo diagrama une patrones irregulares que simulan ser microorganismos o virus a partir de líneas varicosas, cabellos, hilos y ojos.

Es difícil saber si el artista busca que el espectador se deleite con el universo de posibilidades que puede ofrecer una sola de sus pinturas. A pesar de que obras como To/is/the/and, Lineaments including large Rock Formation (2008), parecieran ser sencillas debido a su minimalismo, éstas evocan un sentido de intranquilidad y ansiedad. Su obra suele ser seductora y aislada al mismo tiempo, reflejando la complicada ideología de la imagen y abriéndose hacia una interpretación individual.

Siguiendo una larga historia de producción artística, la obra Untitled (Modern Obverse #1) (2008), que también forma parte de la Colección Adrastus presenta un sentido de distanciamiento, combinando múltiples marcas, brochazos y fotografías para mantener al espectador a cierta distancia. Manchas de colores y grisáceas se convierten en agrupaciones que crean un sentido de movimiento y flujo mientras se aproximan. Esta obra pareciera que está definida por un sentido de lógica interno, jugando con la superficie del lienzo en contra de as capas añadidas de las cercanía del espectador.

Sus obras han sido exhibidas a nivel internacional, incluyendo, i Whitney Museum of American Art en New York, Museum of Modern Art, New York, Tate Modern, London, San Francisco Museum of Modern Art, the USA Today and Abstract America exhibitions, en the Saatchi Gallery en London, Inglaterra. Su producción artística también ha sido presentada en the Royal Academy en London y la Bienal de Ve

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