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Under Discussion: Un Tour Solitario de Decadencia

Desde 1995, los artistas Jennifer Allora (Estadounidense, 1974) y Guillermo Calzadilla (Cubano, 1971) han producido colectivamente un portafolio interdisciplinario de obras. Videos, instalaciones sonoras, esculturas, performances e intervenciones sociales buscan transmitir las perspectivas sociopolíticas e históricas de los manifiestos del colectivo.

Al inicio del video Under Discussion, Diego, el hijo de un pescador local se adentra hacia el mar sobre una mesa de discusión rectangular volteada sobre el agua y realiza lo que parece ser un acto improbable de ingeniería universitaria. Agregando un motor de borda a la mesa, Diego acelera y emprende un viaje para re-trazar la línea costera de un pintoresco paisaje tropical. El paso del vehículo deja un rastro efímero y olas sobre las cristalinas aguas azules a manera de dibujo. El solitario guía turístico no habla ni gesticula, y pareciera que no tiene un destino aparente o propósito alguno mas que guiar nuestros ojos sobre el verde contorno de la costa. Además, gradualmente el ángulo de la cámara empieza a alejarnos de la imaginaria posición a bordo de la nave hasta encontrarnos en una perspectiva aérea siguiendo su trayectoria.

Imitando la elevada mirada de un estratega militar, nuestra vista empieza a alternarse entre el camino trazado por la tabla a través del agua y un terreno erosionado con cráteres. Tiempo después, se empieza a visualizar una serie de aviones, bunkers y hasta un aeropuerto –todos oxidados y descuidados que simulan ser antiguas ruinas- seguidos por un complejo de edificios en construcción a la orilla del mar, y lo que parece ser un cementerio. Después de seguir el vehículo en un espiral vertiginoso, el espectador regresa a la perspectiva horizontal del timonel. Pasando cerca de la costa, vemos dos letreros con simbología incongruente. En uno se lee “Bienvenido al Refugio de Vida Silvestre Vieques”, suplicándonos a “por favor ayúdanos a proteger a las plantas y animales” y especificando como “actividades permitidas la observación de la naturaleza, excursionismo y fotografía”. El segundo letrero, está marcado con una calavera y se lee “No entrar. Solamente Personal Autorizado: Peligro – Explosivos.”

En la obra de la Colección Adrastus, Under Discussion, la calavera no habla solamente de la extrema dureza, sino también de la negligencia con la cual cierta población y sus sistemas de apoyo vitales han sido expuestos por más de medio siglo.

Under Discussion es parte de un proyecto multifacético preocupado por las condiciones políticas y ecológicas de lo que Allora y Calzadilla describe como “geografía transicional” de Vieques, una isla inhabitada en los alrededores de Puerto Rico y utilizada por la Marina Estadounidense como lugares para probar armas de 1941 a 2003. Lo cual lleva a los artistas formular los siguientes cuestionamientos: “¿Cómo se diferencía de otras islas por la manera en que está marcado? ¿Quién decide lo que vale la pena conservar y lo que debe ser destruido? ¿Cuáles son las estrategias para reclamar el terreno marcado? ¿Cómo podemos articular la etnia y la política sobre el uso de suelo?”

El cortometraje de Allora y Calzadilla contiene una sutil polémica, refrescantemente inspiradora y cómica la mismo tiempo de ser silenciosamente provocativa. En este video, al debilitar las condiciones sociales, se pueden generar nuevas ideas brillantes. Tal retrato trae un rayo de esperanza y nos impulsa hacia el futuro.

Algunas de las exposiciones que incluyen obras de Allora y Calzadilla son La Sociedad Renacentista de la Universidad de Chicago (2007); Kunsthalle en Zurich (2007); El Museo de Arte de Dallas (2006); y el Instituto de Arte Contemporáneo de Boston (2004). Residencias en el Centro de Arte P.S.1 de Long Island (1998-1999); el Programa de Estudios Independientes del Museo Whitney en Nueva York (1998 – 1999); el Centro de Arte Walker en Minneapolis (2003-2004); y el Centro de Artes Headlands en California (2004), han desempeñado en importante rol en su desarrollo creativo. Asimismo, Allora y Calzadilla fueron nominados para el Premio Hugo Boss otorgado por el Museo Guggenheim (2006) y el colectivo recibió la beca Deutscher Akademischer Austausch Dienst (DAAD) en 2008. Hoy en día, el colectivo vive y trabaja en San Juan, Puerto Rico.

 

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Ríndete Lentamente ante la Sensación de Rosa Barba.

[vc_row][vc_column][mk_image src=”https://adrastuscollection.org/wp-content/uploads/2016/09/Adrastus-RosaBarba1.png” image_size=”full” desc=”I Made a Circuit, then a Second Circuit, 2010
Texto recortado en fieltro 70 6/7 x 94 1/2 in. (180 x 240 cm.)” caption_location=”outside-image”][vc_wp_text]

La producción artística de Rosa Barba utiliza inventivamente una serie de efectos, medios y modelos de presentación cinemáticos fuera de lo convencional. Sus instalaciones utilizan componentes fílmicos esenciales para resaltar la importancia histórica, mientras que al mismo tiempo, resaltan las propiedades materiales del cine.

La obra de la Colección Adrastus I Made a Circuit, Then a Second Circuit (2010), consiste de una larga lámina de fieltro a partir de la cual se recortaron unas series de letras que se proyectan sobre la pared. En esta obra, el texto tipográfico está recortado en la tela, creando agujeros en forma de letras suspendidas en el textil. Iluminado por un reflector de luz, éste proyecta las palabas en un muro posterior. El fieltro, utilizado como un material escultórico por los artistas durante la segunda mitad del siglo XX, sirve aquí como fondo y pantalla. La materialidad del telón se resalta por el proyector, el cual, simultáneamente, dificulta su legibilidad: el texto solamente puede ser leído claramente sobre la pared.

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Barba cuidadosamente selecta sus materiales puros, estableciendo elementos físicos e intangibles al servicio de su producción artística. Los elementos del cine son utilizados por Barba como un lenguaje. El proyector lleva el rol dominante en I Made a Circuit, Then a Second Circuit (2010), estableciendo un diálogo entre los lenguajes de la escultura y el cine. La superposición de una secuencia recortada y su proyección resulta en la elegibilidad e ilegibilidad, cuestionando la percepción, interacción y colapso del texto en un infinito.

La obra de Barba utiliza el lenguaje en su sentido más literal. Ella toma las palabras, escritas o leídas, a mano o digitalizadas en una pantalla realizada en materiales naturales. Estos textos fungen como vehículos para crear imágenes. A continuación, se incluye una transcripción del texto que forma parte de I Made a Circuit, Then a Second Circuit (2010), compuesto por la artista misma:

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[mk_blockquote style=”quote-style” font_family=”none” text_size=”12″ align=”left”]

I made a circuit, then a second circuit, I tried to imagine myself as a time traveler, to the time and place of my distant ancestors. I made a circuit, then a second circuit, then a third, and found myself in a loop. I let out a yell. At a point which had to be that very point – in the place of my sign – there was a shapeless scratch, a bruised, chipped, abrasion in space, I had lost everything: the sign, the point, the thing that caused me to be me. Space, without a sign. A void, without existence or end, nauseating, in which everything – including me – was lost. I let myself be dragged along as if unconscious. When I finally raised my eyes, I saw what I never could have expected. Faces, animals, maps, lines, inscribed on a subterranean wall. They seemed to be expressing some unknown mythology, or written code. Looking closer at the drawings, I found that abstract symbols were being used as parts of a larger form. Was this the very beginning of an attempt to communicate through writing? A linguistic map? Or an attempt to give speech to something that seemed to be without language? A story that is completed only over many years being passed on visually from one abstract sign to another? Ideas can evolve over time, and how we perceive earlier ones depends on what comes afterwards in the nonchronological timeline. These are somehow simple cellular structures. It was like opening a diary for the first time and walking into a room full of strangers; a need to consider how to use abstract symbols rather than figurative images. There was no longer a container and a thing contained, only a dense diffusion of signs, occupying the whole volume of space, a network of lines, scratches, reliefs and engravings. This universe had been scrawled upon across every surface, in its every dimension. As a side effect, and by necessity, these measurements had been made over decades. Some drawings represent subjects in constant flux: volcanoes, glaciers, earthquakes. Down there, little would change. Space was unlimited, the temperature would always be stable. Life would continue as it always had done. I had left the sign in that place, a sign which seemed inappropriate, in all its pretension. It could continue on through the centuries, making a ridiculous spectacle of itself, and of me, and that transient way we sometimes have of perceiving things. What kind of drawings to choose for committing to memory? Why is it that some images are so strong and sharp, so fit for awakening memory, while others are so weak, hardly stimulating our recollection at all? We must enquire deeper into this, to know which images to avoid, and which to seek.

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En las instalaciones de Barba, el tiempo está intrínsecamente unido a la idea del movimiento. En éstas los proyectores nos refieren al pasado, pero su comportamiento solamente tiene sentido en el presente, cuando los carretes de celuloide transparente se encuentran en movimiento. El sentimiento de tiempo suspendido se mantiene en la ausencia de imágenes fílmicas o fotográficas, o en palabras de Barba, “lentamente nos abandonamos a la sensación”.[1]

Podría parecer superfluo afirmar que la práctica de Rosa Barba se encuentra exclusivamente enfocado con problemas de temporalidad: su principal medio es el filme y sus formas que se relacionan de alguna manera a la práctica cinematográfica, la historia y sus géneros. Sin embargo, este sentido literal no se relaciona con el enfoque de I Made a Circuit, Then a Second Circuit (2010); más bien, la manera en que la temporalidad se encuentra espaciada y visualizada por las diferentes obras, crea un registro múltiple del tiempo y el espacio entre ellas.

Rosa Barba nació en Agrigento en 1972 y creció en Alemania, donde estudió en la Academy of Media Arts en Colonia, seguido por una residencia en Rijksakademie van Beeldende Kunsten en Ámsterdam. Actualmente vive y trabaja en Berlín. Barba ha exhibido extensivamente a nivel internacional, incluyendo exposiciones individuales en el Museo Nazionale delle Arti XXI secolo, Roma (2014), CAC, Center of Contemporary Art, Vilnius (2014), Turner Contemporary en Margate (2013), Cornerhouse en Manchester (2013), MUSAC en Castilla y León (2013), Bergen Kunsthall (2013), Kunsthaus Zúrich (2012), Jeu de Paume, París, (2012), Contemporary Art Museum de St. Louis, Fondazione Galleria Civica, Trient (2011), MART, Rovereto (2011), Kunstverein Braunschweig (2011) y el Tate Modern de Londres (2010). Ha participado en las ediciones 52 y 53 de la Bienal de Venecia y la segunda edición del Thessaloniki Biennial of Contemporary Art (2009), la Bienal de Liverpool (2010), y la Bienal de Sydney (2014).

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[1] Cámara, Cristina. “Rosa Barba.” Tate Museum. 2010. Web. 13 Sept. 2016.http://www.tate.org.uk/whats-on/tate-modern/exhibition/level-2-gallery-rosa-barba/rosa-barba-cristina-camara

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Juan Pablo Macías : El Poder Emancipador del Lenguaje

Palabras y diálogos libertinos suelen ser fácilmente encontrados en el corazón de la obra de Juan Pablo Macías. Para Macías, el arte es un diálogo: “no solamente con el espectador o con nuestro tiempo, sino con nuestra herencia cultural, con los mayores, con el futuro, con las diversas instituciones y asociaciones… un diálogo creado por un sistema de objetos cuya lógica de representación es la manera en que invertimos nuestro tiempo y afecciones.”[1] Su obra explora la relación entre los sistemas de representación y afectividad, analógicamente entre el poder del conocimiento y su conciencia de sublevación.

Como parte de la Colección Adrastus, Biblioteca de anarquismo y anarquistas (2009-en curso) es una continua investigación de libros electrónicos descargados acerca del anarquismo (o escrito por anarquistas); los cuales han sido digitalizados por corporaciones o universidades. Esta obra se inscribe en “Tiempo Muerto”, un proyecto de Macías que cuestiona la relación entre el anarquismo/arte, poder/conocimiento, insurrección/conciencia, y propiedad privada/pertenencia colectiva.

La obra de Macías es un juego de estrategias seriales, una máquina constituida por sistemas de signos que buscan la transformación de la memoria afectiva. A través de Biblioteca de anarquismo y anarquistas (2009-en curso), Macías asocia su investigación en el archivo con su propio estatus de lector y su role como editor para profundizar la relación entre el lector y el texto. Su acercamiento busca causar tensiones entre la institución, la práctica artística y el campo social.

El interés de Macías por el anarquismo surge en 2005, cuando inició una serie de ejercicios curatoriales y prácticas artísticas que buscaban convertirse en gramáticas culturares y micro exposiciones que apelen directamente al anarquismo. Sin embargo, en 2009, Macías profundizó en el tema después del desalojo de una biblioteca anarquista en la Ciudad de México. La Biblioteca Social Reconstruir – BSR, fue una biblioteca anarquista y socialista fundada en 1978 en la Ciudad de México fundada por Ricardo Mestre, un catalán anarquista exiliado en México. En Mayo del 2009, la BSR fue cerrada debido una orden de desalojo; sin embargo, lograron rescatar toda la colección en cajas. Esta biblioteca era única en su tipo. Además de tener una de las más grandes colecciones sobre anarquismo en Latinoamérica, especializándose en la Guerra Civil Española y el anarquismo mexicano, ésta tenía una serie de actividades paralelas tales como la enseñanza en escuelas y sindicatos, facilitando la investigación y presentando una alternativa en la formación y educación de las personas que no tenían acceso a la educación formal. En aquella biblioteca, la repartición del conocimiento se daba bajo la forma de la libre expresión, compartir libremente, discusiones cara a cara, en donde la única autoridad era la moralidad, no los credenciales. Comprometido a la difusión y preservación de la literatura anarquista, Biblioteca de anarquismo y anarquistas (2009-en curso) es el esfuerzo de Macías por revitalizar la biblioteca desalojada y recuperar el legado perdido del movimiento anarquista en diferentes fracciones, complejidades y diferencias entre los archivos existentes o colecciones.

Juan Pablo Macías nació en Puebla, México, en 1974. Tiene un título en Bellas Artes en el 2003 por la Universidad de las Américas, Puebla, México y una especialidad en 2004 por la Universidad Complutense de Madrid, España. Tiene una especialidad en artes visuales por la universidad de Como, Italia. En México ha expuesto en Museo Universitario de Arte Contemporáneo; Museo Universitario de Ciencias y Artes Colonia Roma; Museo de Arte Moderno; Museo Carrillo Gil; Museo Tamayo Arte Contemporáneo and Museo Amparo in Puebla. En el extranjero, ha expuesto en Moscow’s National Center for Contemporary Art; Musée d’Art Contemporain du Val-de-Marne en Paris; Playspace Gallery en San Francisco; P74 Gallery en Ljubljana; Fondazione Antonio Ratti, y en Assab One and Isola Art Center en Italia; en Berlin en Künstlerhaus Bethanien, y A Certain Lack of Coherence en Oporto. Recientemente participó en Resisting The Present: Mexico 2000-2012 en el Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris y en el Museo Amparo en la Ciudad de Puebla, México; y su proyecto Tiempo Muerto ha sido presentado en el Kunstraum München.

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[1] http://vorticidad.org/?post_type=artist&p=178

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