Los Hechos en Cera: José María Cano
Basado en recortes de periódico tomados directamente del Wall Street Journal, José María Cano meticulosamente reproduce pequeños retratos rodeados de columnas de texto en gran escala usando la técnica de la pintura de encáustica. El origen orgánico de la cera, en conjunto con su naturaleza semitransparente y su textura, son contrarios a la naturaleza mecánica e industrial de los procesos utilizados en periódicos de distribución masiva. Para el artista, existe una conexión cercana entre los procedimientos tradicionales de la encáustica y los temas de vanguardia. Esta técnica permite a José María Cano jugar con pares de conceptos tales como la opacidad y transparencia, o lo táctil y lo óptico, para luego utilizar estas posibilidades expresivas que exploten su potencial simbólico.
La genealogía de la encáustica se encuentra ligada en práctica y forma a un profundo misticismo entorno a la imagen y su proceso de creación. Los retratos de las momias Fayum realizados en Egipto entre los siglos I – III d.c., son iconos del uso de la encáustica. Estos retratos pintados en paneles de madera y sujetos a momias, fueron parte de los ritos funerarios del Egipto Romano. Esta conexión entre momias, máscaras mortuorias y retratos inspiró al teórico francés André Bain para asociar los orígenes de la pintura y la escultura, con lo que él llamo “el complejo de momia”. El autor lo describe como una expresión de la necesidad psicológica del hombre por preservar artificialmente su apariencia física. [1]
Investigaciones recientes han encontrado que solamente entre 1 y 2 % de la población podía darse el lujo de pagar por la pintura de su retrato, y que los retratos típicamente pertenecían a los estratos más altos de la sociedad, tales como oficiales del gobierno, dignatarios religiosos, oficiales militares y otras familias de poderío.[2] Por lo tanto, la obra de Cano incluye retratos contemporáneos cuyo legado económico ha sido de relevancia mundial con implicaciones históricas y financieras. Los típicos retratos de grandes hombres de negocios: dueños y directores de empresas trasnacionales, bancos, oficinas gubernamentales, ministros y otras personalidades de poderío económico aparecen en la serie The Walls Street One Hundred. Retomando la ideología funeraria, esta serie aparenta ser una gran necrópolis con retratos de cera que evocan la noción de lo sagrado en los íconos contemporáneos. Los financieros representados en cada una de las obras representa a ídolos de la sociedad que ven al dinero y el crecimiento económico como valores sagrados.
Los retratos de Cano de super-Capitalistas en su serie Wall Street One Hundred, pueden ser considerados como un archive con discretos retratos de similar composición. En las pinturas de periódicos de Cano, el área que contiene el texto actúa como marco a la imagen. Este enmarcado añade intensidad a la imagen pictórica actúa como paréntesis o corchetes, obligando al espectador a ver estos retratos bajo una mirada nueva, crítica y analítica. En cada pintura, la frialdad y el carácter transitorio del periódico se convierte en algo perpetuo, decoroso y elegante.
Al realizar pinturas de los capitalistas más ricos y poderosos, personajes cuyo dinero se encuentra inmerso en la producción artística y explotación comercial, Cano también expone los negocios ocultos que ocurren en el mercado del arte. Retratos como Alan Greenspan y Vladimir Putin denuncian la cara capitalista de la sociedad contemporánea, y al mismo tiempo, critican la manera en que los artistas, deliberadamente embellecen la perversidad. De hecho, su obra alude al filtro que utiliza el mundo del arte para filtrar y ocultar la realidad: ambos han sido frecuentemente causa y tema de la propia existencia de la creación artística.
La ideología de Cano se encuentra inspirada por un dicho del pintor Joaquín Torres García: “La realidad tiene tres dimensiones, mientras que la realidad solamente tiene dos.” [3] Esta declaración se encuentra presente desde su primera serie de pinturas, las cuales son meticulosas copias de sus propios papeles de divorcio. Cada documento de su proceso de divorcio se encuentra pintado a gran escala y transformado en un lienzo de cera, de tal manera que fuera una penitencia o representara un estado catártico: “Mis amigos me preguntaban porqué lo hacía? Me tomaba horas. Pero era fantástico. Era mi manera de encontrar una salida a través de la pintura.”[4] Al mismo tiempo, Cano empezó a realizar pinturas que eran igualmente copias fidedignas de los dibujos de su hijo Daniel, quien tiene el Síndrome de Asperger.
Lejos de presentar una realidad abstracta, o presentar los problemas de la sociedad moderna, las obras de Cano sirven de advertencia, de iluminación y proyección para la realidad; la cual, a pesar de ser criticada por todo el mundo, todos formamos parte de este baile de máscaras. En su serie Why Rent When You Can Buy?, Cano presenta el arte y la prostitución dentro del mismo idioma de consumismo y proyección. A partir de pequeños anuncios de escorts, Cano reproduce estos retratos genéricos en cera en una búsqueda por crear auténticos monumentos en un efecto tridimensional: “Lorena, 21 años. Cuerpo espectacular. Elegante y morbosa. Y otras modelos. 200 €. Chalet Lujoso Castellana 24H Hotel-Domicilios.” Inmerso en estas líneas se encuentra la necesidad de fantasía que permite pasar de lo simbólico a lo real. Reproducido totalmente en encáustica negra y blanca, Lorena no es ella misma. Tampoco es el delicado y minúsculo anuncio de periódico del cual fue derivado. Ella es la obra del artista José María Cano: un icono expuesto de la prostitución del arte. “El arte es como el sexo”, dice Cano, “Cuando tienes sexo con alguien crees que tienes posesión de esa persona. Cuando compras arte, también crees que posees algo.”[5] De hecho, el consumo del arte, tal como el consumo de otro individuo para placeres sexuales, se trata acerca de la imagen, las manifestaciones visuales del fetichismo.
De acuerdo al contexto y las circunstancias, las pinturas de Cano pueden funcionar como fetiches, ídolos o tótems, que a cierto grado, explican el carácter enigmático de sus obras. Las superficies ricas tienes una estructura física igualmente rica. Existe algo peculiar en la cera, quizás que tiene que ver con la firmeza y la fortaleza percibida. Las imágenes de Cano puede parecer espontáneas y al mismo tiempo talladas en mármol. La maleabilidad de la cera define este estatus ambiguo de la técnica entre lo temporal y lo permanente.
Las obras de José María Cano han sido presentadas en el National Museum of Modern Arts, Tokyo (2014), Pallazo delle Arti Napoli (2013), 54th Venice Biennale (2011), Sotheby’s “God Sell the Queen”, (2009), Moscow World Fine Art Fair (2008), y Museum of Contemporary Art, Los Angeles (2006), and ARCO 06 (2006), entre otros.
[1] Bazin, André. “The Ontology of the Photographic Image.” Faculty of Georgetown. Trans. Hugh Gray. Summer 1960. Web. 26 Feb. 2016. <http://faculty.georgetown.edu/irvinem/theory/Bazin-Ontology-Photographic-Image.pdf>. p. 4 and 5
[2] “Ancient Faces: Mummy Portraits from Roman Egypt.” Met Museum. 15 Feb. 2000. Web. 26 Feb. 2016. <http://www.metmuseum.org/about-the-museum/press-room/exhibitions/2000/ancient-faces-mummy-portraits-from-roman-egypt>.
[3]“José-María Cano Biography.” Kristy Stubbs Gallery. Web. 26 Feb. 2016. <http://www.stubbsgallery.com/artists/38-jos-mara-cano/biography/>.
[4] Cano, Jose María, and Fernando Francés. Jose-Maria Cano: Materialismo-matérico. Málaga: CAC Málaga, Centro De Arte Contemporáneo Málaga, 2007. p.287
[5] Cano, José María, Jaroslav Anděl, Brooke Lynn. McGowan, and Peter Suchin. José-María Cano: Welcome to Capitalism! = Vítejte v Kapitalismu!:. Prague: Dox Centre for Contemporary Art, 2008. p.93